Intense Proximité – Triennale 2012 au Palais de Tokyo

« L’art en chantier » par Michel Duvail

Première grande exposition de la réouverture du Palais de Tokyo, la Triennale propose un large état des lieux de l’art contemporain au confluent de la scène française et internationale.

A votre arrivée, vous êtes accueilli par une immense structure métallique grise et rouille, une sorte de chimère gardienne des lieux et des entrailles du Palais qui pour la première fois vous sont ouverts.

Puis vous avez l’impression d’errer entre un chantier du bâtiment, une brocante, une quincaillerie et un fleuriste. C’est assez surprenant et exaspérant de se promener dans ce squat en friche peuplé de vigiles tout en noir. Au détour d’un couloir, vous risquez de marcher dans des excréments d’éléphants décorés de perles noires, vertes et rouges ou de croiser une chambre à air cousue de rubans. On passe devant les œuvres, on flâne, rien ne semble vous accrocher, vous pouvez même être envahi par un rejet de l’exposition dû à la laideur de ces lieux bruts et toujours en travaux.

Et puis perplexe devant une œuvre qui m’a fait penser à la décoration d’une chambre d’adolescent, une jeune fille s’approche et me propose des explications et tout s’éclaire. Les intercesseurs du Palais portent de gros badges, n’hésitez pas à les consulter.

Elle m’a accompagné et m’a consacré beaucoup de temps à me présenter l’exposition, me l’expliquer et réussir à faire évoluer mon  premier sentiment d’incompréhension et de frustration.

Elle m’a montré les recoins des sous sols ou certaines œuvres magnifiques se cachent derrière des palissades de chantiers, comme ce grand manteau de métal fusionné de l’artiste ghanéen El Anutsui et je vous laisse partir à la recherche des larmes de visiteurs… recueillies dans un flacon de cristal lui-même enchâssé dans une colonne.

Ne manquez pas non plus l’œuvre « la terre sous pression » de Bahloul S’Himi avec cocottes minutes et bouteilles de gaz découpées pour en faire des mappemondes. Et puis au plafond d’une salle de projection (l’ancienne cinémathèque) cette installation de Julien Salaud qui fait penser aux dessins de la grotte de Lascaux.

Ou l’œuvre d’Ulla van Brandeburg, un superbe assemblage de couleurs dans un espace s’inspirant des pistes de skateboard.

En arrivant ou en partant n’oubliez pas de vous attarder devant la superbe sculpture murale qui couvre la façade du musée Galliera de ce même artiste ghanéen.

Allez voir cette exposition pour vous faire votre propre opinion. Elle ne séduira pas tout le monde, mais prenez votre temps devant la densité des œuvres, leur complexité et peut être vous laisserez vous gagner par cette sauvagerie brute qui émane de cette exposition. Et peut être déciderez vous de revenir l’explorer une seconde fois.

Informations pratiques :

Du 20 avril au 26 août 2012

De midi à minuit tous les jours, sauf le mardi

Palais de Tokyo

13, avenue du Président Wilson,

75 116 Paris

Les accropodes des Frères Chapuisat :

Voyage aux confins de l'enfance par Marie-Anne Chenerie

            Qui n'a jamais rêvé de disposer , aux confins de son imaginaire , de fabuleux espaces qui n'ont pas encore été identifiés : un voyage sans bagage vers des formes inconnues , presque extra terrestres, en tout cas marines ou sous-marines .

            J'ai trouvé ces espaces un dimanche après midi, , là où je ne m'y attendais pas . Vous imaginez le Marais par un dimanche ensoleillé, du monde, beaucoup de monde, des magasins chics, des passants habillés comme dans un magazine . Et, brusquement, au fond  d'une ruelle qui ne paie vraiment pas de mine, une pièce qui paraît petite et basse  de plafond, vous vous trouvez , en haut de l'escalier, face à une chose ( une bête ? ) brutale,  massive,, ce sont les accropodes  des frères Chapuisat. 

Alors, en vous approchant et en vous glissant dans les fentes volontairement organisées , juste assez large pour vous laisser passer et vous faire douter de pouvoir revenir en arrière  , voilà les images très fortes de l'enfance ou de l'adolescence qui reviennent . Les rochers gluants au bord de la mer, les piles d'un pont qui trempent dans l'eau noire du fleuve , l'animal qui s'enfuit en glissant , telle une loutre ou une anguille , le reflet d'une lumière dans l'eau, lune ou phare de voiture ? Nous sommes au bout du monde,  nous sommes revenus frigorifiés et heureux , nous avons réussi de grands exploits , nous seuls savons que les autres «  jouent petit » . Et puis, plus tard, nous y sommes revenus avec un ( une ) autre ,sible . Mais ne comptez pas sur moi pour vous le raconter …

            Allez plutôt à cette exposition, une installation massive et légère , sombre ,( et c'est un coup de génie d'avoir transformé ces blocs de ciment gris clair en masses sombres, vivantes et animales, terriennes, et d'avoir utilisé l'espace jusqu'au plafond) . C'est en même temps lourd et léger , brutal , fermé et ouvert à la fois . J'y suis restée longtemps , paradoxalement ramenée par cette construction si urbaine et si « intelligente » , par  ces formes si géométriques qu'elles confinent à l'abstraction , à des souvenirs de nature et d'émotion , nuancés et puissants , bref des souvenirs d'enfance .

Informations pratiques :

Les frères Chapuisat, Centre culturel suisse,

32-38, rue des Francs-Bourgeois (IIIe) Tél. : 01 42 71 44 50.

Horaires : du mar. au ven. de 10 h à 18 h, sam. et dim. de 13 h à 19 h

 jusqu'au 18 décembre.

Entrée gratuite

Les photos des oeuvres des Frères Chapuisat sont extraites du dossier de presse

L’automne des dépressifs au Centre Pompidou

Edward Munch : L’œil moderne

Yayoi Kusama 

Par Michel Duvail

YAYOI KUSAMA DANS YELLOW TREE FURNITURE (2002), À LA TRIENNALE D'AICHI, 2010, COURTESY YAYOI KUSAMA STUDIO, TOKYO
© HAL REIFF

Pourquoi mixer dans un même article ces deux expositions, parce que tant qu’à aller au Centre Pompidou ne vous privez pas de voir ces deux rétrospectives.

Idée originale, mais était elle voulue, d’exposer au même moment et dans le même lieu deux artistes a priori aussi dissemblables qu’Edward Munch et Yayoi Kusama mais qui ont en commun un vécu en établissement psychiatrique.

Quoique les commissaires de l’exposition nous mettent en garde sur la lecture standardisée de l’œuvre d’Edvard Munch, elle est dans l’air du temps : déprimante et anxiogène et donc contemporaine expliquant ainsi son sous titre : l’œil moderne. Son œuvre la plus connue n’a pas fait le voyage (pour cause de fragilité ( !) et de vols récurrents), mais si vous regardez attentivement certains tableaux, vous reconnaitrez le visage du cri à certains endroits. La peinture de Munch pleure comme ces femmes qu’il peint en larmes. Au travers des 12 sections thématiques, vous pourrez être submergés par des sentiments d’angoisse et de tristesse à la vision de ces cortèges de spectres sur des fonds de vagues de couleurs et de fuite du temps comme si se cachait derrière les toiles un énorme trou noir aspirant toute l’œuvre d’Edvard Munch.

Alors allez voir Munch, c’est l’exposition  incontournable de cet automne à Paris, mais surtout arrêtez vous à la Galerie sud niveau 1 pour vous faire plaisir avec Yakoi Kusama.

Y Kusama quant à elle n’est plus dans l’air du temps, elle est intemporelle tellement son œuvre est inimitable, provocante, sexuelle, innovante. Entre happening, sculptures dures et molles, peintures, installations, tout y passe, c’est jouissif et on en redemande.

A la fin de la rétrospective qui lui est consacrée nous en sortons comme des grands enfants heureux qui viennent de vivre leur Noël avant l’heure. C’est contagieux, cela se ressent, les visiteurs en sortant des deux installations visitables ( infinity mirroir room et la chambre aux pois rouges qui fait penser à aux champignons géants de l’étoile mystérieuse la BD d’Hergé) parlent entre eux de la joie et de la surprise qu’ils ont éprouvées au cours de cette immersion sensorielle.

Et pourtant, après avoir lu la biographie de l’artiste et ses souffrances psychiques, l’obsession des pois, le vertige de l’infini des miroirs, la profusion des formes sexuelles masculines ne semblent plus aussi légers et joyeux. Et on en repart avec un sentiment de vertige et d’écrasement renvoyant à la folie de l’auteure enfermée dans ses souffrances enfantines.

Ainsi les deux expositions se rejoignent au travers des fragilités psychiques de ces deux artistes qui tentent de nous faire toucher de manière radicalement différente un même mal être : l’un par la mélancolie, l’autre par la joie. A vous de juger laquelle de ces approches vous marquera le plus.

Informations Pratiques

Centre Georges Pompidou - Paris

Horaires

Tous les jours de 11h à 21h,

Sauf le mardi

Jusqu'au 9 janvier 2012

 Tarifs

12 euros plein tarif

 

– Pékin  sur Seine –

Les artistes chinois à Paris par Michel Duvail

Surprise en découvrant l’exposition, je m’attendais à voir la production d’artistes contemporains chinois. Je n’avais pas été assez attentif au sous-titre et avais eu une lecture trop contemporaine de l’affiche représentant une petite fille à la « bonne bouille ».

L’exposition du musée Cernuschi met en lumière des œuvres au carrefour de la peinture occidentale – tendance montparnasienne de l’entre deux guerres – et de la peinture traditionnelle chinoise. Soixante-dix peintures, une dizaine de gravures et de dessins et quelques sculptures attestent des influences des séjours parisiens sur toute une génération d’artistes chinois se situant ainsi au confluent des traditions culturelles chinoises et européennes. Ce qui marque picturalement dans cette exposition c’est l’agrégation des techniques picturales chinoises et occidentales. Rien que pour cette mixité, cette exposition mérite le détour.

Quelques artistes ont particulièrement attiré mon attention.

Une superbe série d’animaux simplement croqués par Xu Beihong à l’encre et couleurs sur papier. Des chevaux au galop, un coq, des pies, un buffle dont se dégagent une énergie, une vitalité tracées avec une économie de moyens époustouflante. La décomposition du mouvement des chevaux font presque penser à des peintures anatomiques. Les nuances de l’encre, l’énergie et la sureté du trait de pinceau réussissent à faire jaillir un tel réalisme que les chevaux donnent l’impression de vie. Une lecture symbolique peut nous faire penser à la résistance du peuple chinois face à l’occupation japonaise et à sa volonté de résistance.

Ling Fengmian en quelques traits d’encre représente un philosophe solitaire contemplant des bambous. D’une manière admirable le peintre réussit à marier la tradition chinoise et son atmosphère poétique avec la modernité occidentale. La figure du sage décrite avec une forte concision et une simplification extrême des formes. Le choix du format du tableau est également une rupture avec les formats chinois.

Mais l’exposition est à surtout à voir pour les subtils et sublimes nus de la peintre Pan Yuliang. Des postures délicates de nus qui évoquent l’introspection, la maternité, l’amour, la fragilité. Deux œuvres sont particulièrement intéressantes : le nu au rouge à lèvres et le nu au peignoir rouge. On pense parfois à Modigliani et on se pose la question de son influence sur l’artiste que l’on a plus généralement qualifié de Manet sino-française. Un style unique : raffiné, délié, léger donne des tableaux très doux à forte charge sensuelle. A nouveau un mélange de technicité inter-culturelle : l’impressionnisme associé au Baimiao (le dessin au trait).

Pan Yuliang – Nue au peignoir rouge – Musée Cernuschi

Des grands kakemonos donnent des informations biographiques très intéressantes sur les artistes présentés et leur séjour parisien.

On peut, en quittant l’exposition, penser avoir vu un condensé d’interprétation chinoise de l’art occidental de la première partie du 20ème siècle : impressionnisme, fauvisme, figuratif, abstraction. Face à cette effervescence picturale il faut un ceratin pour s’approprier l’exposition

Les regrets: le manque d’espace pour le nombre d’œuvres exposées et la mise en scène quelconque.

Informations Pratiques

Musée Cernuschi 

7 avenue Vélasquez – Paris 8^ème

01 53 96 21 50

Jusqu'au 31 décembre

Tous les jours sauf lundi et jours fériés de 10h à 18h

7 euros plein tarif

5 euros tarif réduit

Lapicque un homme de la renaissance au XXème siècle  par Anne Le Menn

Charles Lapicque (1898-1988) est un de ces peintres qui bat en brèche le poncif de l’artiste inadapté à son monde : celui qui est  loin des sciences, des techniques, de la modernité, voire un peu fêlé. Cliché que  l’image de Vincent Van Gogh, a contribué à  véhiculer. Comme dit ma sœur, ce dernier  ne devait pas être très commode à vivre. 

Lapicque, lui,  nous ramène à une autre typologie d’artiste, celle de l’homme de la Renaissance, l’artiste scientifique lettré, musicien.  Le genre de destin à la Léonard de Vinci, qui comparativement  au nôtre,  nous fait nous sentir extrêmement limités, coincés dans notre bureau derrière un ordinateur, comptant les points, dans la jungle de l’entreprise qui nous emploie.

 Charles Lapicque a ainsi été qualifié « de renaissant du XXème siècle » *.  Il est vrai que sa polyvalence, son intelligence lui a permis de connaître et de maitriser plusieurs domaines de connaissance et  de  les utiliser dans son œuvre plastique.  Ce en quoi, il s’avère un précurseur des nouvelles générations d’artistes qui comme lui expérimentent  et innovent.

 Il commence dans les années 1920 une carrière d’ingénieur dans  la production et de la distribution d’électricité, il est alors en charge de la construction et de l’exploitation de lignes à hautes tensions. Il revient de la guerre 14-18 pendant laquelle il a découvert l’amour des chevaux en travaillant dans l’artillerie. Il obtient une thèse à la faculté des sciences de l’université de Paris dans le domaine des sciences physiques, elle a pour titre « L’optique de l’œil et la vision des contours ». Plus tard, peintre de la marine, il bourlinguera sur des bateaux et complétera sa signature avec une ancre, avant que les autorités navales n’estiment sa peinture pas  assez dans les normes et ne mettent fin à leur collaboration.

Une exposition, permise par la famille de l’artiste qui vit dans la ville, lui est consacrée à la  médiathèque Fontenay-aux-Roses. Elle offre une belle sélection d’œuvres sur papier, huiles, et tapisserie.

Dans la dernière salle, un dessin de quelques traits d’un jockey désolé devant son cheval blessé qui devra être abattu. Près de lui  une grande tapisserie retrace un concours hippique, des chevaux  occupent l’espace, les couleurs répondent aux concepts d’optique qu’il appliquait  à ses créations : du bleu pour structurer les solides, du rouge pour les lointains.  La couleur est acidulée, les formes circulent, cela bouge, vit et me réjouit, pourtant contrairement à ma sœur, je n’aime pas l’équitation.

Information Pratique  

Exposition Charles Lapicque l’art de la peinture, salon de la médiathèque 6 place du Château de Sainte Barbe 92260 Fontenay-aux-Roses, jusqu’au 1er octobre. Un grand merci à la médiatrice pour sa disponibilité et ses explications lors de ma visite.

http://www.charleslapicque.fr

·         Source : Charles Lapicque « le dérangeur » par Philippe Bouchet