Le Monotype

Le monotype est une technique de l’estampe. Deeljeet Heerasing  utilise cette méthode,   il  exprime  par ce  medium, son attirance , pour les ambiances en noir et blanc, des vieux films policiers. 

La plaque est recouverte d'encre noire

Deeljeet  Heerasing commence par recouvrir d’encre la totalité de la surface d’une plaque de plexiglas, puis il travaille par retrait de l’encre.

La réalisation du monotype

La plaque est placée sur une table lumineuse.  Pour se guider l'artiste dessine quelques repères, des points qui lui donnent une première délimitation du sujet. Si les outils semblent rudimentaires : coton tige, morceaux de bois, le dessin est précis.

L'impression de l'oeuvre

Lorsque, le résultat obtenu convient à Deeljeet Heerasing, il l'imprime. Dans le cas d'un monotype il est possible d’utiliser la même presse que pour la gravure en eau forte, mais elle est alors réglée de façon à offrir moins de pression.

La plaque est placée sur la presse, on la recouvre  du  papier, posé sec, et ensutie des  langes (des tissus épais qui protègent la plaque lors du passage des rouleaux).

 

Le monotype n'est pas une estampe multiple

Un monotype ne permet pas de reproduire plusieurs fois le même dessin. Cependant après le premier tirage, Deeljeet  Heerasing imprime une deuxième fois la plaque, avec le reste de l’encre il obtient ainsi ce qui est appelé  un fantôme. Généralement plus pâle que la première estampe,  ce second monotype présente d’autres qualités picturales.

 

Fiche pédagogique sur le monotype

 

Plessis Robinson, exposition de gravure « les arbres » organisée par  l' Association des Amis d'Edmond et J.J.J. Rigal, Des maîtres de la gravure du XIXe comme  Eugène Blery (1805-1886), Jules Michelin (1817-1870) un aquafortiste amateur dans la lignée de Corot, Roderic O’Conner qui cotoiera Gauguin au Pouldu, aux graveurs du XX eme qui ont fréquenté et fait imprimer à l’atelier RIGAL , les Riigal et Avati, Coutaud, Dali, Dubreil, Jacquemin, Houtin, Loiselet, Peynet, Rothshild, Spitzer jusqu’à ceux du XXI eme  autour des œuvres Renaud Bec (lauréat 2007 du Prix Rigal) celles de Nicole Bouharmont et d'autres graveurs contemporains.

C'est aussi l'occasion, de découvrir des gravures de Maurice Achener sur ce thème récurrent dans son oeuvre.

Du 25 octobre au 7 novembre 2008. Tous les jours de 14h à 19 H

64 rue du Moulin Fidel Plessis Robinson (92) Entrée libre

http://www.rigal-asso.com

www.plessisrobinson.com

Strasbourg : Conférence sur le kunschthafe

Maurice Achener a participé au renouveau artistique de l'Alsace à la fin du XIX eme siècle une conférence de Arnaud Weber aborde ce sujet le 24 octobre 2008

http://www.kunschthafe.org/

Paris, Maria Elena Veira da Silva (1908-1992) du 14 octobre au 22 novembre Galerie Jeanne Bucher 53 rue de Seine 75006 Paris   http://www.jeanne-bucher.com/galerie/index3.php

Paris, JM Mathieux-Marie  graveur Lauréat du grand prix de la fondation Taylor L.G. Baudry 2006 1 rue la Bruyere 75009 PARIS  Entrée libre http://www.fondationtaylor.com/

 

Paris, Johnny Friedlaender (1912-1992) "Le graveur dans son temps", jusqu’au 8 novembre 2008 , suivie à partir du 18 novembe et jusqu’au 3 janvier par la deuxième partie «Autour d’un Atelier » Galerie Colbert Salle Roberto Longhi 2 rue Vivienne 75002 Paris. Accès : 6 rue des Petits-Champs http://www.inha.fr/spip.php?article1964 Entrée libre

 

Paris, Fred Deux et Cecile Reims à la halle Saint Pierre du 15 septembre 2008 au 8 mars 2009 http://www.hallesaintpierre.org/index.php?page=expos La Galerie Michèle Broutta  présentera  les gravures de Cécile Reims jusqu'au 29 novembre 2008

Yerrres, Retrospective du graveur Roger Vieillard et du peintre Anita de Caro à la Ferme Ornée Propriété Caillebotte Yerres (91)  "Le trait et la couleur rétrospective Roger Vieillard Anita de Caro"  jusqu’au 30 novembre 2008 à la propriété Caillebotte de Yerres. Informations pratiques : La Ferme Ornée Propriété Caillebotte  8 rue de Concy - 91330 Yerres ,  01 69 48 93 93  www.yerres.fr  Horaires : ouvert du mercredi au dimanche mercredi, jeudi, vendredi de 14h30 à 18h samedi et dimanche de 10h30 à 12h et de 14h30 à 18h

A venir  Rennes,  Luc-Olivier Merson (1846-1920)   Au  musée des beaux arts des Rennes du 9 décembre au 8 mars 2009. Musée des Beaux Arts

D’autres informations sur le site de Manifestampe  http://www.manifestampe.org/

Rétrospective Roger Vieillard et Anita de Caro Le trait et la couleur

 

L’exposition présentée à la propriété Caillebotte, est une occasion rare, de découvrir le graveur Roger Vieillard et le peintre Anita de Caro. Si Roger Vieillard avait choisi le burin et uniquement le burin, Anita de Caro a aussi gravé puis elle a peint. Les deux artistes formaient un couple aux multiples facettes, Roger Vieillard a été champion de tennis, banquier, écrivain et poète. Personnalité brillante et éclectique, disposant d’une grande capacité de travail lui permettant de mener « plusieurs vies de front », il a partagé sa passion de l’art avec son épouse Anita de Caro.

L’exposition nous accueille par six « sculptures » aux allures de totem. Trois des « reliefs gravés » sur socle de Roger Vieillard répondent à  trois sculptures de bois assemblés et peints par Anita de Caro.

L'Atelier 17 l'apprentissage

Par une passerelle, nous engageons dans une  salle qui retrace l’Atelier 17 de Stanley Hayter, lieu des années d’apprentissage de Roger Vieillard. En 1934. Stanley William Hayter, anglais peintre et chimiste, créa à Paris,  cet atelier, véritable laboratoire expérimental de la gravure. Il  voulait relever le défi de la gravure et en faire selon ses termes « un art pour artiste ». Sur les murs les premières gravures de Roger Vieillard, côtoient  les œuvres d’autres membres de l’Atelier 17, Stanley William Hayter, Antony Gross, Anton Prinner, Joseph Hetch, John Buckland Wright, et  des eaux fortes d’Anita de Caro. Elle fut une des rares femmes à fréquenter l’atelier, endroit de sa rencontre avec Roger Vieillard.  Henry Miller lui avait confié l’illustration de son roman  « The great round eyes full and black »,  en découvrant ses gravures, ici présentées, Arthur Miller lui fit remarquer « Ma chère vous êtes la seule à ne pas me voir érotique ».  L’ensemble des gravures, de la salle bien que de sujet et de techniques variés, présente une unité, l’appartenance à un atelier, par essence communauté de travail,  est sensible.

Roger Vieillard Architectures

Les salles suivantes, consacrées à Roger Vieillard, regroupent les œuvres par ses thèmes de prédilection. La première est  inspirée par « les Architectures »   Pour Roger Vieillard, elles sont un des résultats de l’activité humaine : « l’homme a conçu l’ARCHITECTURE » comme le prolongement de sa vie brève et fragile, à la mesure de ses besoins et de ses songes».  Les gravures évoluent de  burins à la ligne simple, comme dans ‘Tour de babel ‘ et ‘Economie dirigée’  à des recherches graphiques plus élaborées comme dans  «La cathédrale » et « Manhattan ».  Le dessin est imaginaire mais il reprend des éléments figuratifs. Les silhouettes humaines minuscules de ‘tour de Babel 1 », semblent perdues dans des tours immenses,  au bord du déséquilibre, dans « Babylone » de 1941 les hommes sont réduits à de minuscules hiéroglyphes.  Ils disparaissent dans d’autres gravures consacrées à  ce sujet. La vision de l’économie n’est pas optimiste, l’architecture montrée est écrasante.

 

Les thèmes de la figure humaine et de la poésie

Les deux autres salles abordent respectivement les thèmes de  «Figures humaine » et celui des « abstractions de l’esprit », Roger Vieillard passe  d’une représentation linéaire à des matières plus originales, à base de gaufrage et de zones découpées. Des zones blanches réservées espaçant d’autres espaces aux graphismes abstraits. Souvent la gravure montre une forme unique, dont le contour présente une grande importance. Jean Tardieu décrit ainsi le graphisme de  Roger Vieillard  « A la pointe du scalpel, une incision crissante dans les entrailles moirées de l’imaginaire. Des noirs variés à l’infini, allant du gris pâle d’un affleurement d’aiguilles aux crochets ancrés dans la nuit du Styx… . parfois pareils à un son soufflé au loin dans le cuivre, le recours délicieux d’un blanc « réservé » épais comme une goutte de lait » . L’impression semble plus joyeuse, l’humain représenté d’une façon de plus en plus abstraite se transforme en une silhouette. La « mutation » semble aboutir dans les « reliefs gravés » , ces effigies, debout ou allongées, possèdent une grande présence, « la gravure devenue objet » comme l’explique Jean Tardieu.

Dans « la nuit danse » burin,  dont 3 états sont montrés, un espace blanc sur un maillage noir dessine quelques lignes qui suggèrent une fine silhouette, à la tête en croissant de lune, qui danse. Avec une grande économie de moyens, Roger Vieillard  nous offre une image poétique et ludique.    

Anita de Caro une oeuvre colorée

C’est aussi le coté poétique et ludique, qui  frappe dans la salle consacrée aux œuvres d’Anita de Caro. Peintures colorées, bois peints et assemblés en statues, collages de morceaux de gravures de Roger Vieillard : « Le monde d’Anita de Caro est un monde gai, plein de merveilles enregistrées et interprétées dans une nuance joyeuse » (Herta Wescher).  Comme chez Roger Vieillard l’œuvre oscille entre figuratif et abstrait. Quarante toiles sont présentées, on retrouve certains des   thèmes de Roger Vieillard (Villes, les figures humaines) mais aussi un monde qui lui est propre (cosmogonies, Coups de dés). Les  supports sont variés, mais quelque soit la technique utilisée : huiles aquarelles, le résultat est vivant et échappe à la redite. Anita de Caro parlait ainsi « Il n’est pas simple de parler de la peinture que l’on fait, car pour le peintre, peindre c’est comme respirer… Mon expression naturelle est la couleur, car elle est le langage de émotions. Elle naît quand je la pose sur la toile. Seule la nécessité l’appelle. Chaque instant la découvre. La toile lui apporte l’espace ou elle trouve forme et rapports… Une impression sensible peut venir de la pierre la plus banale d’un mur ou d’une figure entrevue dans la rue. Mais ce n’est plus le sujet qui compte, c’est plutôt la rencontre de quelque chose qui porte à un état de grâce. ». Anita de Caro a  été  l’une des dernières artistes américaines à être venue à Paris, attirée par la suprématie artistique de cette ville. Les deux artistes sont proches de l’école de Paris, qui est le dernier style représentatif d’une hégémonie artistique de la France sur le reste du monde.

Une inititation aux techniques de l'estampe

Dans l’orangerie du parc, le musée du dessin et de l’Estampe originale de Gravelines, propose une exploration pédagogique des différentes techniques de la gravure (burin, eau-forte,  gravure sur bois), une presse permettra des démonstrations d’impression.

  Cette exposition, hors norme, par rapport à la tendance culturelle actuelle , donne le plaisir de découvrir deux artistes aux œuvres originales. Elle possède beaucoup d’attraits, le commissaire d’exposition, Anne Guérin, auteur du catalogue raisonné de Roger Vieillard, a su faire partager sa connaissance et sa passion pour les deux artistes. L’exposition bénéficie d’un cadre exceptionnel. La propriété Caillebotte est un haut lieu de l’impressionnisme, elle a fait l’objet d’une réhabilitation, dont l’espace d’exposition est la dernière opération. L’aménagement a été réalisé avec la collaboration des équipes du musée d’Orsay, afin d’offrir les conditions requises à des expositions artistiques. L’exposition « Le trait et la couleur » inaugure avec bonheur un nouveau lieu culturel auquel nous souhaitons beaucoup de succès.

 

Roger Vieillard, Catalogue raisonné, Œuvre Gravé, 1934-1989, deux volumes (ouvrage dirigé par Anne Guérin avec le collaboration de Virginie Rault, essai de Dominique Tonneau-Ryckelynck, préface de Marc Fumaroli), éditions Somogy, Paris, 2003, 217 p. (ISBN 2850564818) .

Roger Vieillard Anita de Caro le trait et la couleur, par Anne Guérin, Catalogue de l'exposition de la propriété Caillebotte de Yerres, 20 septembre au 30 novembre 2008, éditions Gourcuff et Gradenigo, Ville de Yerres, 2008, 127 p. (ISBN 9782353400454) .

 

L'historien d'art Noel Clément-Janin (1862-1947)

Clément-Janin était un des collaborateurs de Jacques Doucet, le couturier et collectionneur à l'origine de la blibliothèque INHA (Institut National d'Histoire de l'Art) de Paris. 

Au printemps 1923, Clément-Janin écrit un article sur Maurice Achener dans la revue Byblis[1]. Il y conte, les débuts de Maurice Achener à l'eau-forte, par un dialogue entre Peter Halm professeur et Maurice Achener alors son élève à Munich. Maurice Achener a 20 ans et vient suivre l'enseignement de l'académie des Beaux Arts : une petite leçon de gravure pleine d'humour, qui semble démontrer que l'eau-forte c'est plutôt facile.

La pédagogie de Peter Halm pour formation à la gravure

« Peter Halm  était un excellent professeur qui n’obligeait pas ses élève à l’imiter. Il lui enseigna le dessin, et quand il constata que son jeune disciple en savait suffisamment, il le jeta au figuré bien entendu, dans l’eau forte. Un jour à la veille des grandes vacances, il lui apporta un cuivre de la dimension de celui de la Pièce aux Cent Florins[1], et lui dit :

-          « Si vous ne travaillez pas pendant deux mois, vous vous ennuierez. Prenez ce cuivre et faites une eau-forte.

-          « Une eau-forte ? mais je ne sais pas le premier mot de métier !

-          « Bah ! Quand on sait dessiner, on sait graver. Et vous allez voir comme c’est facile. »

-          Il prend son couteau, fait sauter sur le bord de la plaque qu’il avait vernie une petite écaille et met le cuivre à nu :

-          « Répandez de l’acide à cette place et il entamera le métal. C’est tout le principe de l’eau-forte. Au moyen d’une pointe, dessinez votre sujet du mieux que vous pourrez, et …vous me l’apporterez. Je le ferai mordre. »

-          Néanmoins devant le peu de chaleur de l’élève en présence d’un si grand cuivre, il lui en rapporte le lendemain un plus petit, et c’est lesté de ces deux plaques que Maurice Achener repartit pour Strasbourg, où il devait passer ses vacances.

-          Quand il revient les deux cuivres  dessinés, et qu’il demanda à Peter Halm de les faire mordre :

-          « Moi ? Jamais de la vie ! Un bon ouvrier termine lui –même son travail ! Demandez quelques conseils à vos camarades et allez-y ! »

-          Le jeune homme «y alla » et, par bonheur, ne rata pas ses morsures. Il fit rapidement de tels progrès que Peter Halm exposait ses eaux fortes dans les salles de cours et lui procurait des amateurs.

[1]   Byblis miroir des arts du livre et des l'estampe, est une revue spécialisée qui s'était donné pour tâche de "servir la Gravure et la Typographie francaise". Pour ce faire elle publiait quatre fois par an "des gravures et des planches originales accompagnées du texte des écrivains spécialisés". Dans une de ces publications de l'année 1923 nous avons pu relever le commentaire suivant "l'estampe n'est plus comme au temps de notre jeunesse le tableau du pauvre".

[1] La Pièce aux cent florins  gravure de Rembrandt  Achevée vers 1649 Eau-forte, pointe sèche et burin. 281 x 394 mm  BNF
[1] Illustration de l'article Photographie de Maurice Achener vers 1900

Maurice Achener a réalisé ces copies de gravures de Durer, il a utilisé la technique de la gravure sur bois ou xylographie Dans l'inventaire du fond français il est indiqué qu'il y a été initié par Germain Jules et Herbert Lespinasse. Les deux estampes ici présentées sont des copie du personnage central de deux  des gravures de Dürer intitulées :
Supplément à la grande passion : La cène 1510
Supplément à la vie de la vierge page de titre 1511 

les gravures de Maurice Achener sont inversées par rapport à l'original. 

Nous ne savons pas si l'objectif de ce travail était didactique ou si Maurice Achener, dont le monogramme est proche de celui de Dürer, voulait ainsi lui rendre hommage.


Inscription près de la copie de Supplément à la vie de la vierge 
"fragment d'après Dürer à ma chère soeur Maurice Achener 08 "













Dimensions :
Christ  8 cm L. X 9,5 cm H. 
Vierge: 7,5 cm L. X 10,5cm. H.

Préparation de la plaque

Maurice Achener a le plus souvent utilisé  la gravure en creux dite taille douce. L’artiste attaque une plaque de métal, du cuivre ou du zinc.

Soit directement par un outil (burin, roulettes ou pointe sèche)  

Soit en recouvrant la plaque d’un vernis, sur lequel on dessine avec une pointe. La plaque est ensuite plongée dans un bain d’acide « l’eau forte » qui attaque la plaque partout ou la pointe a dégagé le vernis. La plaque est nettoyée avec le solvant correspondant au vernis utilisé.

 

Encrage

Dans la matrice qui est la plaque de cuivre résultant de différentes morsures de l'acide. L’encre va rester dans les parties en creux, les tailles. 

On recouvre totalement la plaque d’encre, on essuie avec de la tarlatane, qui est une mousseline fine. On commence par des chiffons sales et on utilise des tissus de plus en plus propre.  L’encre est enlevée sur toutes les parties qui doivent rester blanches. C’est avec la paume de la main que l’on nettoie les résidus d’encre qui forment un voile.

 Maurice Achener a utilisé l’encrage pour obtenir les blancs et les noirs souhaités à l’impression, parfois en laissant  volontairement le voile sur des zones sans tailles.

Une gravure est une oeuvre originale réalisée par un artiste et destinée à une impression sur une presse à taille douce. Elle offre la possibilité d'être reproduite de façon multiple, tout en respectant un nombre limite de tirages.

La presse du graveur de taille douce est composée de deux montants de fonte, réunis par deux rouleaux superposés entre lesquels passe une plaque d’acier mobile. L’ensemble est comparable à un laminoir dont on peut régler la pression par les deux extrémités du rouleau supérieur. La table passe d'une extrémité à l'autre sous les deux rouleaux.  Sur la table sont disposés des langes, qui sont des rectangles de tissus de laine blanche.